Качество анимации - достаточно относительный показатель... Раньше оно оценивалось количеством кадров в секунду, однако сегодня любая, даже самая маленькая студия не делает меньше 8 кадров в секунду. Что в три раза меньше стандарта для PAL сигнала - 25 кадров в секунду. Нужны ли все 25 кадров в секунду? Человеческий мозг не успевает воспринимать всю последовательность из 25 кадров, он лишь схватывает движение, а для этого достаточно 3-5 кадров в секунду. Значит, качество почти не зависит от количества кадров в секунду, тогда от чего же оно зависит? Раз мозг улавливает только движение, а не последовательность кадров - значит от качества передачи движения. Оно в свою очередь зависит от опыта художника и техники, которую он использует. Правильно нарисованные кадры кажутся живыми даже по отдельности - словно персонаж уже движется, и хотя мы не видим движения оно чувствуется подсознательно. Для примера приведу две известные мне техники создания анимации.

Дисней.

Дисней для создания своих фильмов использует около 12 основных принципов анимации. Вот основные из них:

1. Сжатие и растяжение (squash&stretch).
Это, пожалуй, одно из самых значительных открытий Диснея за всю историю анимации. Этот принцип произвел революцию в мире анимации. Благодаря сжатию и растяжению персонажи уже не выглядели "каменными". Суть принципа состоит в том, что живое тело всегда сжимается и растягивается во время движения. Перед прыжком персонаж сжимается как пружина, а в прыжке наоборот растянут. Главным правилом при этом является постоянный объем - если персонаж растянули (stretch - деформация по оси Y), то он обязательно должен быть сжат для сохранения объема своего тела (squash - деформация по оси X).

2. Упреждение (или отказное движение) (Anticipation)
В реальной жизни для произведения какого-либо действия, человеку часто приходится делать подготовительные движения. Например, перед прыжком человеку необходимо присесть, для того чтобы бросить что-либо руку необходимо завести назад. Такие действия называются отказными движениями, т.к. перед тем как сделать что-то персонаж как бы отказывается от действия. Такое движения подготавливает зрителя к последующему действию персонажа и придает инерцию движениям.

3. Сценичность (staging).
Для правильного восприятия персонажа зрителями все его движения, позы и выражения лица должны быть предельно просты и выразительны. Этот принцип основан на главном правиле театра. Камера должна быть расположена так, чтобы зритель видел все движения персонажа, а одежда не должна скрывать его движения. Ведь все делается для зрителя.

4. От позы к позе (Pose to Pose).
До открытия этого принципа движения рисовались насквозь, т.е. художник знал сюжет и рисовал кадр за кадром для выполнения какого-либо действия. Такой метод назывался "прямо вперед" (straight ahead), при его использовании результат было трудно предсказать, т.к. сам художник еще не знал, что он нарисует. Принцип "от позы к позе" предусматривает предварительную компоновку движений - художник рисует основные моменты и располагает персонажа на сцене, а уж потом ассистенты прорисовывают все кадры движения. Этот подход резко увеличил производительность, т.к. заранее планировались все движения и результат был именно таким как задумывалось.

1-2-3-4-5